跳出畫框，藝術在場——畫廊周北京2026的三種抵達方式

比利時藝術家雷納托·尼科洛迪在“藝訪單元”維伍德畫廊的個展，呈現出一種“冷峻之美”。他的雕塑具有嚴謹的建筑體塊感——走廊、階梯、密閉通道，沒有一絲多余的敘事。站在作品前，你只需要感受那種被精準控制的重量感。

藝訪單元中，維伍德畫廊的雷納托·尼科洛迪個展現場

在藝訪單元的A07樓，來自上海的“洞–當代藝術平臺”首次亮相畫廊周北京。該平臺由藝術家徐震于2025年創立，是一個專注于支持藝術家、推動藝術發生的當代藝術生態。此次它帶來了一場特別的展覽——“春季要還債、夏季要吉覺、冬季要贖魂”，標題借自涼山義諾彝族的一則諺語。汪建偉、王珠珍、吳山專、徐震等多位藝術家的作品在此并置。汪建偉對材料的處理方式格外引人注意：他使用再生木，試圖擺脫材料原有的實用屬性，使其獨立于事物的命名系統，并運用丙烯顏料創造一種看似平庸的超越。木紋、切割痕、表面氧化共同構成了一種地質式的閱讀方式——你不是在看一幅“畫”，而是在觀看木頭如何承受時間。

藝訪單元的洞–當代藝術平臺群展

“春季要還債、夏季要吉覺、冬季要贖魂”現場

魔金石空間的經傲和“藝訪單元”膠囊畫廊的田建新，分別從不同角度呈現材料與身體、材料與日常的關系。經傲的創作探索不同質材在雕塑、行為、影像中的轉化可能，在非二元對立的語境中關注物質與非物質、意識與無意識之間的微妙關系。本屆畫廊周中，魔金石空間帶來她的展覽“一條直線”，將聲音與雕塑并置，視材料為有生命的存在。

魔金石空間，經傲個展“一條直線”展覽現場

膠囊畫廊首次亮相藝訪單元，帶來田建新的作品。他擅長在現成家居物件上創作，通過不同工藝讓器物在自身的歷史與特質中顯現出別樣感觀，其創作接近“循石造像”的路徑，在物質潛力中發現隱藏的形式。

藝訪單元中，膠囊空間田建新展覽現場

在MACA藝術中心，兩場展覽形成了一種有趣的對照。朱凱婷的“喘”以呼吸為標題，材料不再僅僅是冷靜的存在，而是生命維持系統中最脆弱也最持續的節律。欒雪雁的“碧空盡”則用十年時間收集生命中重要親故的舊衣，以高強度手工縫紉將這些承載體溫的布料逐一連接。這不是懷舊，而是將“失去”轉化為一種可以觸摸的物質。材料不會主動講述，但當你看得足夠久，它們會暴露自己的來歷——被切割、被縫補、被呼吸，被時間一層層覆蓋。

MACA藝術中心欒雪雁個展“碧空盡”展覽現場

程新皓在Tabula Rasa三米畫廊的個展“如此，我們將毫無阻礙地穿越他們的群山”，標題本身就是一句宣言。這位北京大學化學博士出身的藝術家，以三次發生在云南的旅途為敘事結構，時間跨度從1638年徐霞客進入云南一直延伸至當下。他把“歷史”從知識對象轉變為可以被行走、被記錄的身體經驗。對習慣用數據與表格思考的人來說，這是一種全然不同的工作方法：不追求效率，而追求在場。

Tabula Rasa三米畫廊程新皓個展現場

王拓在空白空間的展覽“園冶與共眠”則將建筑史、文學史與個體記憶交織在一起。“園冶”——中國古典造園學的經典文本——在他手中化為關于“建造與安眠”的視覺修辭，在歷史的殘骸上重新建筑一個可居住的虛構。

王拓，《園冶與共眠》

2025-2026

五頻錄像裝置（4K，彩色，有聲），33'47"，整體尺寸可變

與前兩者形成光譜兩端的是佩恩恩在馬刺畫廊的“濁智”。“濁智”是一個被排除在理性之外的智慧類型，在佩恩恩手中成為算法時代的情感測繪。作品冷靜、諷刺，令人不安。而在山中天藝術中心，安寧的“龜殼”提供了一種更為輕盈的視角。這位1998年出生的藝術家，以可視門鈴的觀看界面為通道，實現了一種以像素為觸須的“弱連接”——在所有人都追求強連接與高效率的時代，她反而贊美那種脆弱、緩慢的連接方式。影像不負責還原事實，它更擅長制造另一種時間——讓你在幾十分鐘里，同時活在幾個世紀、幾個地點、幾種人生里。

佩恩恩，《濁智》（影像靜幀）

2026

12通道分布式影像裝置

圖片由藝術家和馬刺畫廊提供

山中天藝術中心，安寧的“龜殼”展覽現場

倪有魚在常青畫廊的“晨鐘暮鼓”是一個極具說服力的樣本。他用高壓水槍沖洗未干的丙烯顏料，在畫布上“雕刻”出山水的肌理——這不是“畫”出來的，而是“洗”出來的。其拼貼系列《逍遙游》更以三萬張老照片為素材，構建出一個虛擬的世界：膠片本身是真實的，但拼貼出的山水從未在任何地點存在過。

倪有魚，《逍遙游（三座塔）》

2018

老照片拼貼，22 x 62 cm

在藝訪單元“洞–當代藝術平臺”的展覽中，84歲的王珠珍帶來了她的創作。她長期圍繞“線”與裝飾性圖形語言展開工作，這種看似溫和的抽象，其實以最謙遜的姿態對抗了當代藝術市場對“暴力創新”的迷戀。

藝訪單元中，洞–當代藝術平臺群展中王珠珍作品

“特別展覽”推出了由空白空間呈現的歐陽春個展“涅槃”。展覽涵蓋藝術家2018年至2025年間的階段性創作，以七年跨度的大體量繪畫，于798藝術區D01空間鋪展開來。在混沌黑暗中摸索、于毀滅廢墟中重建——毀滅與創造同構，深淵與星辰共存。色彩是爆發性的，粗糲、斑駁、帶有近乎失控的張力，卻恰恰構成了一種廢墟中的精神淬火。

展覽現場，歐陽春個展“涅槃”，北京798藝術區D01

2026年4月28日-6月7日

圖片由藝術家和空白空間提供

志韋與張然分別以不同方式挑戰“如何看一幅畫”。北京公社的“無傷大雅”中，志韋在畫面上疊加蕾絲、薄紗、有機玻璃與織物拼貼，迫使觀眾在層層半透明材料的覆蓋中重新學習觀看；CLC畫廊的“危情眼”則呈現了張然的獨特路徑——他將有機顯微圖像與飛蚊癥數據直接轉化為畫布上的視覺肌理，讓生物知識與個人體驗的邊界在畫面中同時浮現。繪畫至今沒有被替代，不是因為它足夠“美”，而是因為它足夠“慢”——慢到你可以看到一個人如何與一塊畫布反復糾纏，直到雙方都筋疲力盡。

北京公社志韋展覽“無傷大雅”現場

CLC畫廊張然“危情眼”展覽現場

畫廊周北京2026給出的，不是一份讓人安靜賞閱的展覽目錄，而是一系列對觀看關系本身的重新設定。十年回望，最重要的不是哪件作品賣出了高價，而是藝術與人之間所有可能的“在場方式”被推上實驗臺。

對于習慣了掌控時間、掌控節奏、掌控結果的人來說，藝術提供的恰恰是一個允許模糊、允許懸而未決的空間。站在這些作品前，你不需要立刻判斷好壞，也不需要歸納主題。你只需要讓自己“在場”——讓材料的紋理覆蓋視覺，影像的時間覆蓋記憶，繪畫的反叛覆蓋慣性。